（一）主题阐释

站在2026年的历史节点，世界正步入一个充满未知与重构的大变局时代。技术狂飙（如人工智能的全面渗透）、地缘重组、生态危机与文化认同的流变，正深刻重塑我们这个世界的底层逻辑。这个“变局”意味着既有秩序的松动和物理边界的位移，更伴随着历史连续性的转折和人类经验的重组。然而，正是在这新旧交替、意义重构的激流中，艺术始终以其敏锐的感知力，寻找着跨越壁垒、连接彼此的可能。今年，北京大学艺术学国际博士生论坛以“变局与共振”为题，旨在邀请全球优秀的博士和青年学者共同审视和应对这个时代命题。

“变局”是当代艺术与学术语境的现实底色。在美术史与艺术理论的视域中，它表现为经典范式的解体、宏大叙事的转向以及多元视角的涌现，在电影史与音乐的演进中，它是媒介更迭带来的感官重组、时空折叠与叙事革新，在戏剧的场域内，它折射为身体在场的危机、观演边界的打破与后戏剧语境的重塑，在设计领域，它直指人与物、自然与技术之间亟待重新校准的共生关系。变局打破了原有的静态结构，但也为新观念、新形态的孕育提供了广阔的实验场。

“共振”则是艺术对时代变局最深沉的回应。回溯历史，每当人类文明遭遇危机、更迭或范式转移，“变局中的共振”始终彰显着艺术不可替代的价值。那些诞生在动荡中的艺术先锋与不朽杰作证明，作为跨越边界的能量，艺术的共振超越了语言与逻辑的限制。当世界进入分化与重组的阵痛期，艺术通过图像的隐喻、声音的绵延、影像的蒙太奇、剧场的具身行动以及造物的重构，在不同文明、不同学科、不同个体之间建立起隐秘而深邃的同频振动。它并不强求整齐划一的共识，而是在包容“变局”带来的差异与不确定性的前提下，激发情感的共鸣与思想的交汇。

本次论坛期待汇聚艺术理论、美术史、电影史、戏剧、设计、音乐、创意产业管理等多元学科的智慧。我们鼓励艺术学博士生们从历史的转折中打捞记忆，在媒介的碰撞中捕捉回响，探讨艺术如何在“变局”的挑战中激发“共振”的生机。让我们共同追问：在秩序重构的时代，艺术何为？

（二）分论坛征稿主题

艺术理论分论坛：歧感与共感

变局时代的文化、政治与艺术状况，催生理论对“歧感”（Dissensus）与“共感”（Consensus）之间的张力关系进行重新思考。数字技术缔造了空前的普遍性，共感在新的管理模式中被制造，而与此同时，表面的分歧日益增长，真正的歧感（dissensus）日渐稀有。“歧感”与“共感”既是经典的理论议题，又被置于全新的时代语境中。

二者通过对感性经验的不同配置方式形成基本的社会形态。歧感挑战共感的基础与边界，创造感知的裂隙，期待重置共感的分配方式，达至社会的更新；共感则呼唤可被普遍接受的共同立场，希望在感性的一致性中沟通彼此，尊重常识常感与公共秩序。不过，歧感与共感之间的关系并非简单的对立，而是需要保持一种紧张状态，完全无歧感的共感只是霸权；而纯粹永恒的歧感则无法形成任何共同生活的世界。当下格局中的艺术的难点，恰恰在于如何在不可避免的感知分裂中，既不诉诸虚假的共感和解，又不放弃建构共同世界的伦理诉求。从当下的关系艺术、行星态艺术等，到不同历史阶段中艺术对政治与社会共同体的诸种参与或反向悬置，艺术始终是歧感与共感的创造场。

如何塑造一种“歧感共同体”？这一追问与当下的艺术理论、政治环境、媒介技术紧密关联，既与德勒兹的“差异”、利奥塔的“异识”、朗西埃的“歧感”等概念对话，又激活康德的“审美共通感”、席勒的“审美教育”等经典思想，更与古典中国的感兴、仁、不忍之心、大同世界的思想资源有关。本分论坛旨在剖析歧感与共感的复杂关系，在艺术理论、哲学、政治学、媒介研究的跨学科对话中回应时代议题，既在技术变革与国际新形势的条件下探索当代艺术的角色，又在艺术史与思想史的背景中回溯艺术的力量。

艺术理论分论坛面向国内外博士生及青年学者征稿，鼓励围绕（但不限于）以下议题：

· 歧感：从古典到当代的艺术理论

· 共感：从古典到当代的艺术理论

· 感性与新感性问题

· 数字时代的感性制度

· 艺术实践中的共感建构与歧感保留

· 中国美学传统中的感通思想及其当代价值

· 共同体与艺术、伦理、政治

音乐学分论坛：电子音乐：介于音乐与自然之间的声音

英国文化理论家雷蒙·威廉斯（Raymond Williams，1921–1988）在经典著作《关键词：文化与社会的词汇》（Keywords: A Vocabulary of Culture and Society，1976）中分析了一百多个由文化与社会机制形塑下的词汇，揭示了语言背后的权力与意识形态。针对“自然”这一词汇，他开宗明义：“在英语中，‘自然’或许是最复杂的词汇。”威廉斯的视角已然为“自然”作了一个注脚：自然的概念一点也不“自然”。如果自然本身就是个错综复杂的概念，试图厘清它与其他事物之间的关系——例如音乐（或声音）与自然的关系——都是一场硬仗。这一概念的语义具有极强的流动性。例如，在十九世纪，它曾与作为“绝对”的宇宙（诺瓦利斯，Novalis，1772–1801）、“观念”的外化形式（黑格尔，Hegel）以及“现实”（穆勒，John Stuart Mill，1806-1873）等概念相关联。

在美学层面上，音乐与自然之间时常处于一种“权力博弈”之中，而权力的消长折射出不同的美学范式与历史时刻——在启蒙主义的思维下，音乐是用来表达属于外在现实的自然，自然与艺术相对立；早期浪漫主义者例如施莱格尔（Friedrich Schlegel, 1772–1829）强调对“绝对”的审美直觉源于对大自然整体性的感知；在尼采的眼中，人类之所以成为艺术家（包括作曲家）是因为他能与自然“合并”（coalesce），自然与文化之间没有隔阂。在二十世纪，音乐也可以是阿多诺的“第二自然”（second nature）——例如通过一种令人丧失反思能力的（音乐）论述，将历史进步论视为理所当然，或以基于泛音的“自然和弦”论述打压非调性音乐。当代生态与生态批评思想以更新的强度审视这场“权力博弈”，这源于科技“进步”对生态系统健康造成的冲击，以及文化与自然之间日益加深的疏离感。在工具理性与技术官僚的压境之下，人们试图从自然的限制中解放出来，这说明了为何现代主义音景总是那么疏离、充满敌意。同样受到生态批评范式的启迪，德国音乐学者赫嘉·德·拉·牟特-哈博（Helga de la Motte-Haber）在其著作《音乐与自然：自然观与音乐诗学》（Musik und Natur: Naturanschauung und musikalische Poetik，2000）中，尝试梳理西方音乐史中作曲家如何让自己的意识与自然融合为一。

与音乐研究的战场同频共振，涉及电子音乐的声音研究同样是自然与文化的角力场。例如玛丽·汤普森（Marie Thompson）曾批判约翰·凯奇（John Cage, 1912–1992）与学者克里斯托弗·考克斯（Christoph Cox）的自然主义与物质主义立场；考克斯将“声音流”（sonic flux）现象比作自然的代言人，认为它先于或外于人类经验而存在，并将其视为他所推崇的实验音乐与声音艺术的素材。相反，汤普森认为自然与声音无非是文化的产物，任何试图将某种声音实践“自然化”以赋予其合法性的尝试，都不过是徒劳。作为一条创作者与聆听者为自然或环境赋予代言人身份的“另类”思考路径，乌尔里克·施密特（Ulrik Schmidt）提出的 “拟人化聆听”可与民族音乐生态学家杰夫·托德·蒂顿（Jeff Todd Titon）指出的民族音乐学者对是否该将自然予以拟人化的争论相互参照。施密特的观点体现出对聆听者亲身感知自然之经验的重视，这也解释了为何20世纪早期兴起的现象学，常被用作声音研究与电声音乐的方法论框架。

有别于音乐却又以声音涵盖音乐的电子音乐，其与自然的关系应当如何被审视？是要将仰赖科技的电子音乐创作视为对自然的异化、一种文化建构，还是对自然的挪用——甚至是一种礼赞——从而使我们与自然的物质“现实”得以接触？就西方艺术音乐所继承的符号系统而言，电子音乐往往偏离熟悉的和声、音色、节奏与形式配置。传统音乐会作品倾向于表明自身是文化的产物，不易与自然之声混淆。正如乔治娜·伯恩（Georgina Born）等人所主张，包括电子音乐在内的实验音乐家们不拘泥于传统的音乐形式观念，也不拘泥于音高、节奏等逻辑问题，他们沉浸于电子信号变幻莫测的特性，极力探索声音的生命力与听觉感知的本质。然而，符号常常缺席的电子音乐却促使我们放弃从表征和意义的角度思考声音，甚至无意去追问文化与自然、人类与非人类，乃至有意义与无意义之间的界限何在。乔安娜·德默斯（Joanna Demers）曾指出，支撑音乐的各种元素就像画框，将其与外在世界隔绝，但电子音乐却宛如卸框后的画，与外界“无缝”衔接。

在音乐与自然长期纠葛的基础上，电子音乐与自然继续进行类似或截然不同的对话。音乐学分论坛欢迎来自音乐学、民族音乐学、作曲、声音研究、音乐理论与分析、音乐哲学、美学及相关学科的论稿，共同参与这一对话。希望来稿能够审视电子音乐创作与电子音乐研究如何挑战、动摇、丰富或转变我们对音乐、声音、文化、科技与自然间关系的既有范式。摘要及论文可使用中文或英文撰写。

Electronic Music: Sound Between Music and Nature

In his seminal work Keywords: A Vocabulary of Culture and Society (1976), the British cultural theorist Raymond Williams observed that “nature” is “perhaps the most complex word” in the English language. His analysis of how cultural and social mechanisms shape the meanings of words reveals the power structures and ideologies embedded in language, and his characterization of the complexity of the word nature already serves as a gloss on the concept: the idea of nature is anything but “natural.” If nature is already a labyrinthine concept, then any attempt to clarify its relationship with other things—such as the relationship between music and nature, or sound and nature—will become even more complex. The concept is marked by exceptional semantic fluidity. In the nineteenth century, for instance, it was associated with the universe as an “absolute” (Novalis), various externalizations of the “idea” (Hegel), and “reality” (Mill).

In aesthetic terms, music and nature have often been understood to be engaged in a ‘power struggle,’ with the balance of power reflecting different aesthetic paradigms and historical moments—from the Enlightenment emphasis on imitation of external reality, early Romantic accounts of aesthetic intuition and the perception of nature as a unified whole, to Nietzsche’s contention that the artist possessed the capacity to “coalesce” with nature and therefore erase the barrier between nature and culture. In the twentieth century, Adorno argued that music could degenerate into a type of “second nature”—for instance, through forms of musical discourse that dull the capacity for critical reflection, the ‘naturalization’ of the idea of historical progress, and the suppression of non-tonal music with the argument that the major triad, or “chord of nature,” was ‘naturally’ grounded in the overtone series. Contemporary ecological and ecocritical thought has examined this ‘power struggle’ with a renewed intensity, responding to the consequences of technological ‘advancement’ on the health of ecosystems and the increasing sense of alienation of culture from nature. Under the pressure of instrumental rationality and technocracy, people may seek liberation from the constraints of nature—which may explain why many modernist soundscapes tend to feel so alienating and hostile. Similarly inspired by an ecocritical paradigm, the German musicologist Helga de la Motte-Haber, in her work Musik und Natur: Naturanschauung und musikalische Poetik (2000), has attempted to survey how composers throughout Western music history have sought to fuse their consciousness with nature.

Resonating with the contested terrain of music studies, sound studies involving electronic music have also become a battleground of differing accounts of nature and culture. Marie Thompson, for example, has criticized the composer John Cage and the scholar Christoph Cox for their naturalism and materialism; Cox, for instance, has positioned the phenomenon of “sonic flux” as a kind of spokesperson for nature, something that precedes or exists outside of human experience and is the material for the experimental music and sound art he values most highly. Thompson has argued instead that nature and sound are products of cultural construction and that attempts to legitimize particular sonic practices within nature are dubious at best. As an alternative mode of thinking through which creators and listeners grant nature or the environment a form of agency, Ulrik Schmidt's concept of "anthropomorphic listening" can be read alongside the contemporary debate among ethnomusicologists—noted by Jeff Todd Titon—over whether nature should be anthropomorphized at all. Schmidt’s work places a strong emphasis on the listener’s firsthand perceptual experience of nature, which suggests why phenomenology—emerging in the early twentieth century—has so often served as a methodological framework within sound studies and electroacoustic music.

How, then, should we examine the relationship between electronic music—distinct from music yet encompassing it through sound—and nature? Should we regard the technologically dependent practice of electronic music composition as involving an alienation from nature, a cultural construction, or an appropriation—even a celebration—of nature that brings us into contact with its material ‘reality’? In relation to the inherited symbolic systems of Western art music, electronic music often departs from familiar configurations of harmony, timbre, rhythm, and form. Concert music tends to assert its status as a cultural product, not easily confused with the sounds of nature. As Georgina Born has argued, experimental musicians—including electronic music composers—are not bound by conventional notions of musical form, nor by the logic of pitch and rhythm; they immerse themselves in the unpredictable properties of electronic signals, pushing to the limits their exploration of the vitality of sound and the nature of auditory perception. Electronic music—in which signs are frequently absent—may therefore compel us to abandon thinking about sound in terms of representation and meaning, and even to lose interest in interrogating the boundaries between culture and nature, the human and non-human, and meaning and meaninglessness. Joanna Demers, for instance, has observed that the various elements supporting music function like a frame, separating it from the external world; electronic music, by contrast, resembles a painting stripped of its frame, ‘seamlessly’ connected to the world outside.

Building on the long-entangled relationship between music and nature, electronic music continues to engage in dialogues with nature that may be similar to or radically different from those that came before. This musicology sub-forum welcomes contributions to this dialogue from musicology, ethnomusicology, composition, sound studies, music theory and analysis, philosophy of music, aesthetics, and related disciplines. We hope that submissions will explore how research and composition in electronic music may challenge, unsettle, enrich, or transform the existing paradigms through which we understand the relationships among nature, music, sound, culture, and technology. Abstracts and papers may be submitted in either Chinese or English.

戏剧学分论坛：意义与在场

在数字技术迅猛演进的当代语境中，戏剧艺术的传承与发展正面临前所未有的历史机遇与现实困境。算法生成台词、虚拟影像叠加实体剧场、人工智能介入角色塑造等技术的跃迁，无不正在改写戏剧的可能性，也在动摇其赖以存在的根基。当身体的在场性遭到数字演员的挑战，当戏剧的意义在技术编码中被稀释，我们不得不重新审视戏剧在数字文明时代的本体论地位与人文使命。

虽然，技术进步始终是艺术形式创新与审美演变的驱动力量，从机械复制到数字生成，每一阶段的技术突破都深刻重塑了艺术活动与文化生态。然而，技术同样蕴含着反人本与反审美的本质属性。技术统治的典型特征在于“平均化”“标准化”与“一般化”，其必然导致艺术“反个性”“商品化”与“奇观化”的蔓延。当代艺术已表现出显著的非人化趋向。伴随技术理性的扩张，艺术逐步丧失与人类历史、日常生活及心灵世界对话的能力，意义趋于虚无，人文精神面临真空。艺术家的想象力遭遇枯竭，观众的审美感受力日益钝化，对奇观的满足将人们从审美贫困引向更彻底的贫困。技术主导下的戏剧构作所呈现出标准化、均质化、产品化的倾向，正在消蚀艺术创作本应具有的独特生命质感。

戏剧阐释不仅是对文本的语义解码，更是在剧场空间中意义的具身化生成。表演艺术是生命情致的在场呈现。演员的声腔与身段一旦被AI采集，虽然可以无限生成数字角色，但是这些数字生成的“演员”绝非传统意义上的“角儿”，而是科技制造的“符号”与“幻象”。在新的媒介生态中，我们如何避免意义的虚无主义并探寻人文的复归之路？如何约束技术对戏剧领域的非理性僭越？如何防范人在技术体系中主体性的模糊与迷失？如何避免技术对戏剧价值理性的取代？如何预防技术逻辑的癌变与文明的灾难？我们希望本次论坛，可以围绕这些迫切的问题展开思考、讨论和对话。

本次论坛以“意义与在场”为题，我们主张在戏剧艺术的演进过程中，技术始终应是拓展形式想象的美学手段，而非吞噬人文精神的技术迷雾。数字技术无法复制戏剧的意象世界所蕴含的生命能量、仪式体验与人文精神。数字技术的先天局限性，体现在其无法对体验本体完成数字化建构，更无法对艺术生成中那种鲜活、流动、充满不确定性的生命状态，进行有效的技术编码。戏剧的使命和意义，过去、现在和未来都应体现人对自身及其存在意义的探求。守护戏剧艺术中那些无法为数字技术所替代的核心价值，守护人性的、生命的、情感的价值，防止它们在数字化浪潮中被边缘化甚至消逝，正是数字时代戏剧人必须坚守的人文底线。

人文学的根本命题始终围绕人类的存在本质、价值追求、文化创造及其在自然、社会、历史三维空间中的位置展开。在技术加速发展的时代，技术进步不能以牺牲人性为代价，而人文价值必须在技术语境中重新确证。技术是人类智慧的体现，亦应当服务于人类整体福祉的提升。对戏剧的“意义”与“在场”所进行的理性思考，或许能够为当代人文学科提供独特的实践智慧，有助于构建一个更加智慧、可持续且富有意义的文明形态。

戏剧学分论坛面向国内外博士生及青年学者征稿，鼓励围绕（但不限于）以下议题：

·数字时代戏剧本体论的确证

·人工智能与戏剧意义

·虚拟角色与表演主体性的危机

·技术奇观与审美贫困

·剧场作为象征性的抵抗空间

·混合媒介下的观众在场性研究

·数字时代的戏剧批评

美术史分论坛：回响与新声

站在 2026 年的历史节点，当世界在技术狂飙、地缘重组与文明对话的变局中重新校准航向，艺术史的书写与研究正处于一场深刻的 “回响” 与 “新声” 的共振之中。本届艺术史分论坛以 “回响与新声” 为题，旨在搭建一个历史与当代对话、传统与创新交融、不同文明与不同代际学者交流的平台。我们期待全球青年学者打捞历史的回响，捕捉时代的新声，探讨艺术史如何在变局中实现跨越时空的深层共振，共同书写属于这个时代的艺术史篇章。美术史分论坛面向国内外博士生及青年学者征稿，鼓励围绕（但不限于）以下议题：

•物质性与再媒介化：从原境到数字空间

•图像的迁徙：全球视野下的文明互鉴与地方性叙事

•观看的机制：视知觉与空间重组

•权力、赞助与性别：艺术生产的社会制度

•跨学科的共振：艺术、科学与生态的交织

电影学分论坛：断裂与重构

在技术形态与文化语境深刻变动的当下，电影与电影研究正经历一场前所未有的“断裂”。“断裂”不仅代表着一张张画面本身、一段段蒙太奇，更表现为技术更新带来的形式变迁，影像真实感的动摇、作者观念的转型以及观众感知经验的重组之中。流媒体平台的崛起、短视频文化的扩张、虚拟制作与生成式人工智能的介入，使得传统电影工业结构与叙事范式不断被打破，经典的时间结构、空间建构与作者观念也在持续瓦解之中。

然而，“断裂”并非终结，而是通向“重构”的起点。电影正在以新的形式不断重塑自身：影像的生成方式由物理记录转向数据计算，叙事结构从线性逻辑走向多维拼接，观众的观看经验则在沉浸式与交互式环境中被重新定义。同时，人工智能与数字人文方法的引入，也也推动电影研究范式的转向，使“电影”从文本对象转化为可分析、可建模的复杂系统。

在这“断裂与重构”的动态过程中，电影既是被重塑的对象，也是理解时代变局的重要方法与路径。无论是对电影史的再书写，对影像实践的批判性分析，还是对未来影像形态的前瞻性探讨，都提示我们重新思考一系列关键议题：在媒介技术持续演进的背景下，电影的形式与边界将如何变化？其叙事方式、观看经验与文化功能又将如何被重新组织？这些问题并不指向单一答案，而是为我们提供了一个持续展开的研究空间。

本分论坛旨在邀请青年学者重新思考电影在当代变局中的意义与可能。我们期待来自电影理论、电影史、媒介研究、艺术实践与跨学科领域的多元视角，共同讨论：当电影的传统边界不断被打破之时，电影何以被重新理解，又如何在新的时代语境中获得持续的生命力，并期待通过跨学科对话，重新思考电影的边界、功能与未来。

电影学分论坛面向国内外博士生及青年学者征稿，鼓励围绕(但不限于)以下议题:

•数据化转向与电影史重构

•影像生产机制的断裂与重构

•生成式人工智能与电影作者性的再定义

•数字影像的物质性

•计算方法在电影研究中的应用

文化产业分论坛：在场：新大众文艺的生产与消费

文化产业分论坛以“在场：新大众文艺的生产与消费”为议题，立足当下数字文化生态与文艺格局深刻转型的时代背景，聚焦新大众文艺的形态演进与实践特征。“在场”强调创作者、传播者与受众不再是彼此疏离的旁观者，而是经由身体、情感、媒介与社会现实的深度联结，共同参与到文艺实践的生产、传播与接受全流程之中。

论坛聚焦新大众文艺生产机制与消费行为的内在关联，关注智能技术、平台生态、圈层传播、全民共创等现实语境，深入探讨创作主体转型、内容形态创新、消费场景迭代、文化认同建构及产业运行逻辑等关键问题。旨在突破生产与消费二元对立的传统视角，审视二者互嵌共生、动态转化的当代图景。

本论坛面向海内外青年博士生，鼓励理论思辨与实证研究相结合、跨学科视野与前沿问题相融合，推动对新大众文艺产业规律、价值导向与发展路径的深入研讨，为青年学者搭建高质量的学术对话与思想交流平台

设计学分论坛：重构物质性：设计中的技术与思想

当“变局”成为当代世界的基本情境，设计作为连接技术系统、物质生产与社会生活的重要媒介，直指人与物、自然与技术之间亟待重新校准的共生关系，成为时代变局的核心场域与关键节点。人工智能、数字制造、新材料技术与平台化生产方式的兴起，推动现代设计的工作方式的进一步革新，撼动着“物”的生成逻辑与存在方式，同时，也对自古以来的人造物哲学、造物哲学和物哲学发出深刻质问。随着物质问题进入越来越多传统学科的研究视野，成为人类学、考古学、历史学、文艺学、工程学等学科共同聚焦的研究蓝海和知识联结点，引发持续的思考共振。于是，“物质性”问题也成为在技术介入与思想建构中不断被重塑的复杂对象，并在充满变局的当下成为交叉学科视域下设计学发展的一条核心线索。一方面，技术推动物质形态的生成方式发生跃迁，使设计从“造物”走向“系统构建”与“关系生成”；另一方面，人文思想与批判理论的介入，使设计重新审视物与人、自然与技术、地方与全球之间的多重关系。在此过程中，设计不仅回应现实世界的结构性变化，也在不断生成新的“共振”——在不同媒介、文化与知识体系之间建立联系与回响。

因此，本分论坛试图追问：在技术深度嵌入设计实践的当下，我们应如何理解“物质性”的转变？设计如何在算法、数据与智能系统的参与下，重构其感知经验与表达方式？又如何在全球化与在地化交织的语境中，生成具有文化深度与批判意识的物质实践？本次论坛希望可以围绕以下议题展开：

•交叉学科设计学的理论与学科内涵

•设计学学科体系与学术体系建设

•中国当代设计批评

•技术变革与设计物质性的再定义

•设计智造与社会创新

•人工智能时代的设计伦理

•人工智能与生成式设计的物质逻辑

•媒介转向与设计感知经验的重构

•工艺美术的传承、发展与创新

•技术哲学与设计思想研究

•可持续设计与生态物质观

•身体经验、感知与物质性的关系

•传统工艺与当代技术的融合路径

•本土材料文化与全球设计语境

计算艺术分论坛：计算艺术的知识图谱

计算艺术早已跨越单纯的工具应用，演变为重塑人类感官经验与审美范式的核心力量。构建计算艺术的知识图谱，既是对当代“变局”的系统性认知，也是在数据洪流中寻找跨学科“共振”的必要路径。

在“变局”之中，计算艺术的知识图谱正在重塑艺术史与艺术理论的边界。当算法、代码与大模型成为新的媒介形态，创作者身份、文本生成机制以及艺术本体均发生了深刻转型。研究者不仅需要标示生成式人工智能、数据可视化、交互叙事与虚拟现实等关键技术节点，还应揭示其背后的权力结构、伦理问题与哲学维度。将迅猛发展的技术进程转化为可辨识的学术脉络，能够为经典范式的瓦解与新秩序的生成提供必要的认知坐标。

所谓“共振”，体现于图谱内部复杂节点之间的关联。为克服技术与人文的二元分裂，有必要在计算逻辑与人类情感之间建立关联机制，贯通计算机科学的形式化方法与艺术研究的感知维度，促成数字人文量化路径与美学经验质性分析的互补。在此基础上，可以进一步追问：算法如何转译情感经验，机器如何参与创作过程，技术又如何在不同文化语境中生成新的感知结构。

我们期待多元学科的优秀博士生们共同探讨计算艺术的历史渊源、生成逻辑与未来图景。在人机共生的新纪元，让我们共同追问：如何以知识为坐标，在算法的变局中，锚定艺术与人性共振的永恒频率。

英文分论坛：Stylistic Pluralism and Paradigm Shifts

The contemporary artworld is marked by an apparently paradoxical condition. On the one hand, technological developments and geopolitical shifts seem to herald radical change and dramatic ruptures in previously dominant forms of art-making, as well as in the institutions that sustain them. On the other hand, the artworld “after the end of art” (to use Arthur Danto’s well-known formulation) is characterized by a proliferation of styles and approaches, often regarded as equally legitimate and therefore mutually compatible.

The paradox arises from the apparent impossibility of genuine upheaval in an artworld defined by radical stylistic pluralism. If there is no dominant paradigm, how should we understand the kinds of change that shifting technological and geopolitical conditions are said to produce?

Some more specific questions include, but are not limited to:

•Shifting economic, geopolitical, and ideological conditions worldwide are undermining the authority of established institutions across a variety of domains. How are the institutions of the artworld adapting to these developments? What new institutional forms or dynamics are emerging in response?

•How are art-historical narratives changing in light of these developments? Can we meaningfully speak of a multipolar art history, or do entrenched paradigms continue to exert their influence?

•How are new technologies—chief among them AI—disrupting established patterns of stylistic development?

•How do non-Western or decolonial perspectives challenge the very framework of “pluralism” as inherited from postwar Western theory?

（三）时间安排